Toute en finesse et en délicatesse, Simone Haug ressemble à ses photographies. Elle paraît effleurer les choses, mais les cerne et les souligne avec une justesse rare, soutenue par un regard plein d’espièglerie. Son dernier travail, intitulé Acrobates !, sera exposé lors des Journées photographiques de Bienne du 29 avril au 22 mai 2016. Il a été réalisé dans le cadre d’un mandat lancé par le PRN LIVES et sera également visible dans l’ouvrage Downs and Ups qui accompagne l’exposition.

Bienne est sa ville d’adoption : « J’ai toujours aimé son atmosphère décontractée. Quand j’étais encore à l’école, à Berne, je prenais le train en secret pour Bienne et venais m’installer dans un café près de la gare. C’est une ville de possibilités, à l’esprit sincère, chaleureux et ouvert. C’est quelque chose que je ressens très fort quand je me promène ici - une culture au quotidien. Même les caissières dans les supermarchés sont différentes à Bienne par rapport à Berne, où il y a plus d’étiquettes, le poids de la culture officielle. Ici c’est plus informel et direct. »

C’est dire si elle connaît déjà le festival dédié à la photographie qui est organisé chaque année à Bienne depuis vingt ans. Elle y avait d’ailleurs déjà exposé avec une amie, en 2006, une série intitulée Asile entre lieux et temps. Mais elle est encore loin de se considérer comme une photographe établie, même si la trentenaire affirme que ça marche de mieux en mieux pour elle, car les commandes arrivent. Pour vivre, elle fait également des transcriptions d’entretiens pour des sociologues, une tâche qu’elle apprécie : « Je n’ai pas besoin de faire les analyses, mais ça me nourrit », explique-t-elle.

Son projet photographique sur les artistes de cirques à la retraite met en scène cinq personnages, dont un couple, qu’elle a approchés individuellement au cours des six derniers mois de 2015. Elle y saisit avec une grande habileté la fragilité et la force de ces seniors ayant toujours la tête dans les étoiles malgré un physique diminué. Rencontre avec l’auteure de ces images originales et sensibles.

Comment êtes-vous venue à la photographie ?

J’ai toujours aimé regarder. Dans ma famille l'image était très présente. La photographie me paraissait donc l'outil idéal pour produire des images. J'ai appris assez jeune à me servir d'un appareil photo, et cet instrument est devenu pour moi une sorte de boussole pour découvrir le monde et mon entourage. A partir de l’adolescence, cela a pris de plus en plus de place dans ma vie, et je suis entrée dans une association d’autodidactes qui avait été créée à Zurich dans les années 80. Nous invitions des photographes confirmés, mais le principe de base était l’auto-organisation. Ensuite j’ai fait des études de sociologie, mais ce qui me tenait vraiment à cœur, c’était la photo. Alors j’ai décidé de poursuivre cette voie en entrant aux Beaux-Arts à Hambourg. Je ne voulais pas faire une école de photographie au sens strict, car je voulais me protéger du formatage. J’aime être libre, et je trouvais mieux de nourrir mon développement de manière différente.

Que reste-t-il de vos études de sociologie ?

Je pense qu’inconsciemment, ça m’influence encore parfois. Cela m’a appris à considérer plusieurs points de vue, et apporté des bases théoriques. Mais ce qui me dérange dans cette discipline, ce sont les affirmations. C’est pareil en photographie : je refuse tout ce qui catégorise. Je ne me vois pas comme une documentariste qui propose un message final. Dans la sociologie, j’aimais la matière mais pas la manière. J’ai donc tenté de m’en libérer.

Qu’est-ce qu’une bonne photo selon vous ?

Pour moi c’est une image qui laisse beaucoup de liberté. Elle doit donner juste assez d’information sur le contexte pour offrir ensuite beaucoup d’espace à l’interprétation. J’aime par dessus tout le mélange et l'équilibre entre l’abstraction d’une part, et un minimum nécessaire de points de repère concrets d’autre part. Je suis fascinée par le potentiel de surréalisme dans le réel. Et je trouve que la photographie permet vraiment de montrer cela. De plus, le métier de photographe me permet de partager des choses avec les gens et de leur rendre quelque chose en retour, une forme de reconnaissance ; cela compte aussi dans mon intérêt pour l’image. Un travail qui m'impressionne, par exemple, c'est la série Libuna d’Iren Stehli, qui a suivi une femme tout au long de sa vie. C’est une des forces de la photographie : saisir la dimension du temps qui passe.

Comment avez-vous travaillé pour ce projet sur les acrobates retraités ?

J’avais déjà une fascination pour le cirque, un monde d'illusions où les limites physiques sont sans cesse dépassées, mais c’est l’appel d’offre de LIVES et des Journées photographiques de Bienne qui m’a donné l’idée de prendre contact avec d’anciens acrobates. J’adore entrer ainsi dans de nouveaux mondes, faire des rencontres. En général je ne fais pas de mises en scène. Mais pour les artistes, la scène est une habitude. Je voulais travailler avec eux, faire quelque chose ensemble. Alors les mises en scène sont venues naturellement, en discutant avec eux. Le temps pour réaliser cela n’était pas énorme, mais je suis heureuse d’avoir trouvé une forme qui convient à ces personnes et à leur situation. J’aime le côté mystérieux de ces images. Cela représente ce que les artistes de cirque aiment faire : créer du mystère pour le public. Quant à l’utilisation du noir et blanc pour plusieurs images, c’est une manière pour moi de rester dans quelque chose d’abstrait. Cela éveille l’imagination, car on est moins connecté au réel. Je trouve aussi que le noir et blanc souligne bien la notion d’équilibre qui est au cœur du sujet.

Comment décririez-vous la résilience dont font preuve vos protagonistes ?

Je vois de la résilience dans leur attitude au quotidien. Les artistes de cirque ont connu un parcours professionnel absolu, et même à la retraite ils restent des acrobates dans leur tête. Cela se voit par exemple quand il s’agit de changer une ampoule. Peu de femmes retraitées monteraient sur les épaules de leur mari pour faire ça ! Ils ont toujours envie de jouer, de se mettre en scène. Les cinq personnes que j’ai rencontrées sont toutes en paix avec leur carrière passée. Chacun a fait ce qu’il pouvait. Tous sont d’accord de dire qu’il s’agissait de trouver le bon moment pour arrêter. Chaque histoire est différente, mais tous ont dû affronter des difficultés et ont fait preuve de force pour surmonter les situations.

De quoi êtes-vous la plus fière dans ce travail sur les acrobates ?

De la projection qui sera montrée dans l’exposition pendant les Journées photographiques. J’aime l’idée de créer un petit spectacle. Il s’agit d’un montage de photos qui défilent au son d’un tambour japonais. C’est la première fois que j’expose ce type de procédé. Je l’avais déjà fait dans un autre travail, mais je ne l’ai jamais montré.

>> La page consacrée à Simone Haug sur le site du festival

Parmi les trois femmes ayant participé au projet du Pôle de recherche national LIVES et des Journées photographiques de Bienne, Annick Ramp est la seule âgée de moins de 30 ans. Malgré son jeune âge, sa carrière de photographe est pourtant déjà bien établie. Celle-ci franchira une nouvelle étape avec l'exposition de ses portraits de Sandra, transsexuelle, à la 20^e édition des Journées photographiques de Bienne, du 29 avril au 22 mai 2016. Quelques-unes de ces photos sont aussi publiées dans l'ouvrage Downs and Ups.

Annick Ramp travaille comme photographe à mi-temps pour la Neue Zürcher Zeitung. Elle explique avoir trouvé ainsi un bon équilibre, qui lui permet de poursuivre en profondeur des travaux plus personnels. Elle habite un quartier populaire à l’ouest de la gare de Zurich, un endroit qu'elle aime pour son atmosphère multiculturelle et détendue.

Son projet sur Sandra a été sélectionné pour illustrer la vulnérabilité et la résilience, car elle possède un véritable talent pour aborder les corps et les âmes avec un profond respect. Ses photos dépeignent une personne joyeuse, avec ses côtés sombres, un personnage complexe qui, malgré les traces laissées par de longs combats, a réussi à surmonter bien des épreuves. Nous avons interrogé Annick Ramp sur son approche.

Comment en êtes-vous venue à la photo?

Après l'école, j'ai fait un apprentissage commercial, mais j'ai très vite réalisé que cela ne me satisferait pas. Je savais que je voulais faire quelque chose en rapport avec la photo, mais je ne savais pas comment m'y prendre. C'est mon père qui m'a initiée en premier à la photographie. Puis, quand j'ai eu 19 ans, j'ai fait un voyage en Nouvelle-Zélande. Mes parents y avaient vécu pendant cinq ans et je suis née à Auckland, mais ils sont partis quand j'avais huit mois. Alors j'ai voulu découvrir l'endroit, y rencontrer les gens, et c'est là que j'ai commencé à prendre des photos. Elles étaient surtout concentrées sur les lignes, les paysages, mais pas vraiment sur les gens. De retour en Suisse, je me suis inscrite à une formation préalable en art, puis j'ai quitté Schaffhouse pour Zurich, où je savais que je voulais vivre. Pendant un an, j'ai étudié différents types d'art et de communication visuelle. Après cela, je me suis inscrite à la formation diplômante «Fotodesign» à Zurich. J'ai alors eu la chance de faire un stage d'un an avec un photographe, et là j'ai trouvé ce qui m'intéressait vraiment. C'est la photographie que je pratique aujourd'hui, axée sur les gens. Une fois mes études terminées, j'ai fait un autre stage à la Neue Zürcher Zeitung, où j'ai achevé ma formation et où j'ai eu la chance d'obtenir un poste.

Que recherchez-vous lorsque vous photographiez des personnes?

J'aime montrer différentes sortes de gens, différentes versions de la vie. Lors de mon premier stage, j'ai pris des photos d'un homme excentrique qui est assez connu à Schaffhouse et qui s'appelle Heinz Möckli. Pendant deux mois, je l'ai suivi partout, et j'ai pris conscience qu'il ne s'agissait pas seulement d'un travail. C'est une activité qui m'apporte beaucoup. J'adore observer la façon dont les êtres humains vivent dans leur environnement et les multiples façons qu'ils ont de le percevoir. Ce qui m'intéresse en particulier, ce sont les gens qui ne vivent pas comme tout le monde.

Comment avez-vous rencontré Sandra?

Pour mon travail de fin d'études, j'ai fait un reportage sur un établissement spécialisé, où séjournent de manière temporaire des personnes souffrant d'addictions, de maladies mentales ou d’autres sortes de fragilité. Un soir, Sandra était présente, et je l'ai revue ensuite à l'arrêt de bus. Je l'ai trouvée fascinante. Elle paraissait fragile et forte à la fois. On voyait qu'elle avait une certaine confiance en elle. Nous avons parlé, et elle s'est mise à chanter. Elle avait l’air d’une femme, mais avec quelque chose de masculin. Elle en a parlé ouvertement, mais elle a refusé de poser devant l'objectif. Après ça je l’ai toujours gardée en tête. J'ai essayé de la contacter par Facebook, mais elle n'a pas répondu. J'ai de nouveau essayé par l'intermédiaire du leader de son groupe de musique, qui m'a suggéré de venir à une répétition le jeudi. J'y suis allée, et elle s'est souvenue de moi. Je lui ai alors proposé de faire des portraits d'elle et elle a accepté. C'est ce que j'ai fait pendant deux ou trois mois, mais je ne savais pas comment je raconterais son histoire. C'est alors que j'ai reçu l'invitation du PRN LIVES et des Journées photographiques de Bienne. Le concept était né!

Dans cette série, quelle est la photo qui incarne le mieux selon vous le thème de la résilience?

Celle avec le brouillard: ce n'était pas du tout mis en scène. C’était pendant la répétition d'une pièce de théâtre et il y avait cette machine qui crée de la vapeur. J’ai saisi Sandra alors qu’elle était à côté. Parfois elle s’égare de la réalité ; elle s'enfuit ailleurs, rêve les yeux fermés. Cette photo m'a fait prendre conscience qu’il y a quelque chose à montrer au sujet de Sandra, et aussi qu'il faut du temps pour approcher ça.

Comment avez-vous procédé avec Sandra pour ce travail?

Je ne lui ai rien imposé. Je ne lui ai jamais dit : « Fais ci ou fais ça! ». On a passé des journées entières ensemble et c’était à moi de saisir les bons moments. Le plus difficile, pour moi, ensuite, n'a pas été de faire des choix, mais de limiter la série aux meilleures prises et de leur donner un ordre. Composer une série de photos est quelque chose qui me fascine. C'est vraiment intense. Je peux passer des semaines à déplacer des photos éparpillées au sol jusqu'à ce que je décide laquelle est vraiment indispensable, lesquelles expriment ce qui est juste. C'est aussi une question de respect pour mes sujets. J'ai montré ma sélection à Sandra et elle a accepté d'être vue aussi dans ses mauvais moments. Elle est tout à fait consciente de son histoire et du fait qu'elle n'est pas toujours de très bonne humeur. Il m'importait beaucoup qu'elle accepte mes choix, mais je ne l’ai pas laissée non plus m’influencer. J'espère que mon travail sur Sandra suscitera de l'empathie chez les gens. Je trouve bizarre que la société ordonne les choses en opposant constamment le masculin et le féminin.

Pour vous, qu’est-ce qu’une bonne image?

Tout d’abord il faut qu'elle me touche d’une manière ou d’une autre. J'ai besoin de sentir que le photographe l'a faite avec empathie, que le sujet n'est pas juste là pour faire une bonne image. J'aime les photos qui racontent quelque chose, qui provoquent de l’émotion et qui diffusent une part de poésie. J'aime regarder les photo en séries, parce que je trouve souvent difficile de comprendre quelque chose avec une seule image. Je pense qu’il peut y avoir plus de nuances si les photos se répondent l’une à l’autre.

>> La page consacrée à Annick Ramp sur le site du festival